当代抽象绘画与中国古瓷跨时空对话，以“慢”唤起对于手工技艺的美学推崇

　　国际知名艺术家藤村真在上海迎来中国大陆首展，并且这些绘画真迹与中国古瓷形成别样对话，开启观看的全新视角。这便是今天登陆北外滩艺术馆的“跨越时空的凝视——藤村真绘画对话中国古瓷”特展。

　　在展览现场，只见藤村真的蓝调抽象《行在水面上-恩典》与元代蓝釉海水龙纹辅首罐形成了一组对话关系，它们都呈现出纯粹到极致的蓝。当藤村真融绿、蓝、红色调于一体的《新酒》与清雍正窑变釉六方尊并置，浑然天成的多色融合让它们显得格外契合。

　　展览共展出藤村真绘画真迹17幅，其中囊括其蜚声国际的知名作品，包括《生之共鸣-展望》《恩典依然存在-甘松》等；北外滩艺术馆则从馆藏珍品中臻选宋钧窑长颈胆瓶、清乾隆青花珐琅彩包袱瓶等古瓷呼应展出。两种截然不同的艺术，以惊艳于世的色彩为媒介，跨越时空，美学对话，碰撞出和而不同的灵感之源。

　　藤村真，日裔美籍艺术家，其绘画创作风格主要是抽象表现主义和日本传统文化的结合。他将传统的东方美学元素，如金箔、墨水、矿物质原料与西方抽象艺术的表现手法相结合，创造出了独特的艺术语言。纪录片《罗斯科：超越抽象的生命》拍摄时，藤村真受邀作为抽象表现主义当代传承者参与拍摄，成为唯一受邀的在世艺术家，由此亦可知他在当今抽象艺术领域的分量。

　　藤村真的抽象绘画特意选择天然矿物质做颜料，而不是当今普遍的化学合成颜料，其中包括有多种宝石、青金石、金箔银箔，云母纸等等，作品在丰富的颜料涂层中或金箔银箔覆盖下，透显出宝石材质的光泽。本着尊重自然的情感创作，他多幅画作都坚持使用云机纸，这种稀见纸本加工于日本富士山脚下的纯天然有机树木的家族手工作坊。挑剔的颜料研磨、精道的纸本选择、加上繁复的创作工序，这些天然物材在画面上产生独特光彩，让人们在展览现场能够感受到作品散发出来的自然气韵。

　　北外滩艺术馆馆长蔡史印坦言：“我第一次看到藤村真的作品，就联想到了中国的官窑瓷器。丰富的色彩，细腻的肌理，用他独特的抽象主义方式重新诠释传统的日本古老岩彩画Nihonga，跟中国官窑瓷器一样。”

　　藤村真在接受文汇记者采访时说，自己的绘画一直在阐述一种“慢艺术”的精神。这与瓷器的生产非常像——瓷器的色彩、纹路需要时间的沉淀，才会慢慢显出之后看到的样子。而他的艺术将天然彩色矿物研磨成细粉，然后将它们层层覆盖在纸上，每层都需要时间干燥，一件作品平均使用60层到80层，甚至多达150层。画中水质、水纹还有颜色等效果，当时可能没法看到，要过几年才会呈现。“我的画和瓷器一样，都像是在试着开启一道未来的时光之门。一方面我们似乎可以预期最后的成果，但我们也必须花时间耐心等待最后的成果。”

　　策展人王纯杰认为，在数字化、荧光屏高速发展时期，对手工技艺的美学推崇在当代难能可贵。藤村真的画作强调“磨“，强调“慢”，重新激活人们对手工物的亲密感受，将传统艺术的自然材质与当代抽象艺术语言相结合，并转化为绘画中独特的精神肌理。

　　此次展览由北外滩艺术馆携手正艺美学主办，将于特展区免费展至6月18日。展期内将同步推出讲座、工作坊等教育活动，期待能碰撞出更多元的火花，给观众带来更多的惊喜和思考。

　　作者：范昕